Con el fin de promover un estudio detallado del acervo de arte latinoamericano del MoMA, el Instituto Cisneros pone en marcha una serie de seminarios anuales con la intención de que cada edición aborde la colección desde un aspecto crítico específico y distinto.
Manos a la obra: gestos artesanales en el arte latinoamericano
1 de mayo de 2024
Manos a la obra indagó sobre los oficios y prácticas artesanales ajenas a las bellas artes que sirvieron como fuente de inspiración para ciertos artistas latinoamericanos. El seminario examinó en detalle tres obras de la colección: Escultura móvil articulada (1948) de Gyula Kosice (Fernando Fallik, Argentina, 1924-2016); Tapiz no. 6 (1958) de Yente (Eugenia Crenovich, Argentina, 1905-1990); y Tejedura 90/36, 1990 (1990) de Gego (Gertrud Goldschmidt, Venezuela, 1912-1994).
El panel reunió a los investigadores María Amalia García, Santiago Villanueva y Jorge F. Rivas para reflexionar y explorar los vínculos (directos o imaginarios, continuos o fragmentarios) entre el arte moderno y oficios generalmente asociados con el trabajo de mujeres y clases trabajadoras. Al centrarse en obras en las que la escultura se cruza con herramientas de marroquinería, la pintura con el bordado o el dibujo con el tejido a mano, el encuentro buscó poner el foco en los distintos matices con los que los artistas han problematizado los límites entre las bellas artes y las prácticas no académicas.
Mientras que la historia del arte de América Latina ha hecho hincapié en las innovaciones sensoriales y conceptuales desarrolladas por artistas durante la segunda mitad del siglo XX, la integración de conocimientos artesanales constituye un aspecto vital pero poco estudiado del arte de la región. Como ha señalado Jorge F. Rivas, una “actitud artesanal” impregnó los proyectos creativos de los artistas modernos durante el período de posguerra. Además de destacar la importancia de prácticas artesanales en el acervo del MoMA, el encuentro invitó a reflexionar sobre todo lo que está en juego cada vez que artistas dialogan con prácticas culturales que han sido excluidas de las narrativas vanguardistas por estar vinculadas a la cultura popular, los oficios de la clase trabajadora, lo femenino o la tradición.
Josefina de la Maza moderó el debate, que se desarrolló en español con subtítulos en inglés en vivo.
Participantes
María Amalia García es curadora en jefe de Malba-Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires. Es doctora y licenciada en historia del arte por la Facultad de Filosofía y Letras (FFyL-UBA). Es docente en la carrera de Artes (FFyL-UBA) e investigadora independiente de CONICET (actualmente en licencia). Es autora, entre otros libros, de El arte abstracto. Intercambios culturales entre Argentina y Brasil (2011), traducido como Abstract Crossings: Cultural Exchange between Argentina and Brazil (2019). En 2019 fue curadora asesora de la exposición Sur moderno: Journeys of Abstraction—The Patricia Phelps de Cisneros Gift, organizada por Inés Katzenstein en el Museo de Arte Moderno, Nueva York, y en 2021 co-curó, junto con Marcelo E. Pacheco y Javier Villa, Alberto Greco ¡Qué grande sos! en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. Desde Malba organizó Yente Del Prete. Vida venturosa (2022) y Tercer ojo. Colección Costantini en Malba (2023).
Jorge F. Rivas Pérez (doctorado) es el Curador Frederick y Jan Mayer de Arte Latinoamericano y jefe de departamento del Denver Art Museum en Denver, Colorado. Antes fue curador de arte colonial español en la Colección Patricia Phelps de Cisneros en Venezuela, y curador adjunto de arte latinoamericano en Los Ángeles County Museum of Art. Desde su incorporación al Denver Art Museum en 2016, Rivas Pérez se ha dedicado a reconceptualizar el departamento de arte latinoamericano y reinstalar las galerías de la colección permanente. Sus últimos proyectos curatoriales en el museo incluyen The Light Show, ReVisión: Art in the Americas, The Skeletal World of José Guadalupe Posada y la próxima Have a Seat: Mexican Chair Design Today. Es editor de arte latinoamericano y organizador del programa y de las publicaciones del Mayer Center Symposium, y ha colaborado en distintas publicaciones con ensayos que cubren una amplia gama de temas relacionados al arte, el diseño, las artes decorativas, la arquitectura y la cultura material de Latinoamérica. Nació en Caracas (Venezuela) y se licenció en arquitectura en la Universidad Central de Venezuela en Caracas, obtuvo un máster en la Universidad de Florencia (Italia), y un máster y un doctorado en el Bard Graduate Center de Nueva York.
Santiago Villanueva es artista y curador. Fue parte del Nuevo Museo Energía de Arte Contemporáneo (2011–18). Entre 2016 y 2017 fue curador pedagógico del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires y, durante el 2021, fue curador de Programas Públicos y Educación del Malba (Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires). Fue curador de numerosas exhibiciones, entre ellas: Huyamos a Buenos Aires nadie podrá encontrarnos. Roberto Jacoby (Ciudad de México, Museo Universitario del Chopo, 2023), Todo es mucho (Buenos Aires, Universidad Torcuato Di Tella, 2022), Terapia (Buenos Aires, Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, 2021), Las relaciones mentales. Eduardo Costa (Ciudad de México, Museo Tamayo, 2017). Es autor del libro El surrealismo rosa de hoy (2021).
Moderadora y comentarios críticos
Josefina de la Maza es historiadora del arte. Es profesora asistente del departamento de historia de la Facultad de Artes Liberales de la Universidad Adolfo Ibáñez en Santiago, Chile. Sus intereses académicos tienen que ver con el desarrollo del arte de los siglos XIX y XX en Chile y Latinoamérica. En particular, ha estudiado la fundación de academias de bellas artes y museos, los diálogos entre distintos géneros pictóricos y los vínculos entre el arte y las artes aplicadas. Actualmente se encuentra estudiando el arte textil de la primera mitad del siglo XX en Chile y los vínculos entre las artes, las artes populares, las artesanías y los oficios. Fue curadora de la exposición Tejido social: arte textil y compromiso político en el Museo de la Solidaridad (Santiago, 2019) y ha desarrollado proyectos de investigación sobre la artista y artesana chilena Paulina Brugnoli, las bordadoras de Isla Negra y arpilleras políticas. Ha sido becaria de la fundación Coimbra, la Social Sciences Research Council, la Fundación Fulbright, FONDART y ANID.
July 18 de 2023
Con el fin de profundizar el estudio de la colección de obras latinoamericanas del MoMA, el Instituto Cisneros organiza todos los años un seminario que, en cada ocasión, aborda la colección desde una perspectiva crítica particular.
Las figuras canónicas del paisaje latinoamericano tal como las conocemos hoy fueron construidas inicialmente a través de imágenes creadas por exploradores, científicos y fotógrafos europeos que viajaron para conocer el “nuevo mundo”. Esta historia de construcción estereotipada del paisaje es revisada por Elena Damiani, Gilda Mantilla y Raimond Chaves, y José Alejandro Restrepo a través de viajes, pero sobre todo del estudio de fotos, grabados y narraciones provenientes de archivos históricos. Poniendo el foco en estos materiales, sus obras aspiran a proponer nuevas estrategias y experiencias de paisaje: un uso crítico de las fuentes documentales sumado a nuevas formas de exploración territorial.
En este seminario en línea, tres investigadores/curadores analizaron la complejidad de tres obras centrales en la exposición Chosen Memories: Contemporary Latin American Art from the Patricia Phelps de Cisneros Gift and Beyond: la doble proyección de diapositivas Secretos de la Amazonía (2011) de Gilda Mantilla y Raimond Chaves; la video instalación El paso del Quindío I (1992) de José Alejandro Restrepo, y la escultura Fading Field No. 1 (2012) de Elena Damiani. Sofía Hernández Chong Cuy, Jens Andermann y Florencia Portocarrero analizaron las obras ahondando en las siguientes preguntas: ¿Es posible revertir o conjurar las miradas románticas y exotizantes sobre Sud América a través del uso crítico justamente de materiales que coadyuvaron a crear esas concepciones?, ¿cuál es el rol de la experiencia corporal en los territorios en obras que se fundamentan en el uso de imágenes y relatos existentes? Y en relación con éste tema: frente a la tradición de los artistas viajeros, ¿qué implicancias trae consigo el viaje de exploración para los artistas actuales? Y por último, ¿han estado estas obras aportando a una suerte de “anti-paisajística” contemporánea, según la definición del dúo de artistas conformado por Gilda Mantilla y Raimond Chaves?
La sesión contó con la escritora Graciela Speranza como moderadora.
Como parte de la serie de seminarios en línea dedicados al Estudio de la Donación Cisneros que el Instituto lleva adelante desde 2021, este encuentro intentó echar luz sobre preguntas esenciales a la hora de pensar nuevas formas de relación con la historia y con la tierra.
Bios
Jens Andermann es profesor de español y portugués en la Universidad de Nueva York y editor del Journal of Latin American Cultural Studies. Sus últimos libros son: Jardín (2023); Entranced Earth: Art, Extractivism, and the End of Landscape (2023; ed. en español 2018); Handbook of Latin American Environmental Aesthetics, junto a Gabriel Giorgi y Victoria Saramago (2023) y Natura. Estética ambiental después del paisaje, con Lisa Blackmore y Dayron Carrillo Morell (2018). Escribe sobre arte, cine y literatura latinoamericanos y lusoafricanos entre los siglos XIX y XXI.
| Desde 2018, Sofía Hernández Chong Cuy es directora del Kunstinstituut Melly en Rotterdam –antes conocido como Witte de With Center for Contemporary Art. Anteriormente se desempeñó como curadora de arte contemporáneo en la Colección Patricia Phelps de Cisneros durante siete años. A lo largo de las dos últimas décadas, Sofía ha colaborado con muchas otras instituciones y ha participado como curadora invitada en numerosos proyectos internacionales, entre los que se incluyen exposiciones para el Bronx Museum of the Arts en Nueva York, la Kadist Art Foundation en París y el Center for Contemporary Art en Vilna, así como la 9a Bienal do Mercosul | Porto Alegre en Brasil. |
Florencia Portocarrero es una curadora interdependiente. Su práctica cultural combina la escritura, las conferencias, la docencia y la organización de exposiciones y programas públicos, tanto dentro como fuera del ámbito institucional. Sus intereses de investigación giran en torno a los modos de reescribir la historia del arte desde una perspectiva feminista y al cuestionamiento de las formas hegemónicas de conocimiento. Ha participado en diversos congresos internacionales y sus textos sobre arte y cultura aparecen en revistas y publicaciones especializadas con frecuencia. En Lima, trabajó como Curadora de Programas Públicos en Proyecto AMIL (2015–19) y fue Asesora de Curaduría del Comité de Adquisiciones de Arte Contemporáneo del Museo de Arte de Lima-MALI (2018–20). Desde 2014 es co-directora de Bisagra, un colectivo de arte en el que ha trabajado de forma colaborativa junto a artistas y profesionales de distintas áreas y orígenes para desarrollar proyectos artísticos comprometidos en lo político y sensibles en lo social.
Moderadora
Graciela Speranza es ensayista, narradora y guionista de cine. Se doctoró en letras en la Universidad de Buenos Aires donde enseñó literatura argentina. Desde 2009 es profesora en el Departamento de Artes de la Universidad Torcuato Di Tella. Entre otros libros ha publicado los ensayos Manuel Puig. Después del fin de la literatura, Fuera de campo. Literatura y arte argentinos después de Duchamp, Atlas portátil de América Latina (finalista del Premio Anagrama de Ensayo), Cronografías. Arte y ficciones de un tiempo sin tiempo, Lo que no vemos, lo que el arte ve, y dos novelas, Oficios ingleses y En el aire. En 2002 recibió la beca Guggenheim y en 2012 editó junto con Rita Eder y Dawn Ades el volumen antológico del Instituto de Investigación Getty, Surrealism in Latin America. Vivísimo muerto. En 2014 fue Tinker Visiting Professor en la Universidad de Columbia y en 2019 profesora visitante en la Universidad de Cornell. Como crítica cultural colaboró en Crisis, Babel, Página 12, Clarín, La Nación y El País de España. Desde 2003 dirige con Marcelo Cohen la revista de letras y artes Otra parte.
El programa se realizó en español con traducción simultánea al inglés.
Este evento se enmarca en la exposición Chosen Memories: Contemporary Latin American Art from the Patricia Phelps de Cisneros Gift and Beyond.
14 de septiembre de 2022
Con el fin de profundizar el estudio de los fondos latinoamericanos del MoMA, el Instituto Cisneros organiza todos los años un seminario que en cada ocasión aborda la colección desde una perspectiva crítica distinta y particular.
El seminario de 2022, titulado “Relaciones ambivalentes”, exploró el vínculo entre Marcel Duchamp y algunas figuras clave del arte conceptual en América Latina, analizando en profundidad tres obras de la colección realizadas entre 1967 y 1978: To Be Curved with the Eyes (1970–78) de Cildo Meireles, Haute Couture (1967–68) de Claudio Perna e Interrogations sur la Femme (Interrogations about Woman) (1978) de Lea Lublin.
El panel reunió a los investigadores Sérgio B. Martins, Sean Nesselrode Moncada, Andrea Giunta y Kaira M. Cabañas para analizar el modo en que estas obras de la colección del MoMA promueven un nuevo acercamiento a las numerosas y fructíferas respuestas de los artistas latinoamericanos a Duchamp. Como se sabe, en 1918 Duchamp pasó nueve meses en Buenos Aires, período en el que reimaginó su práctica de “readymades” como un esfuerzo transatlántico. También se sabe que, si bien no entró en contacto con los artistas locales durante su estadía, décadas más tarde la obra de Duchamp se convirtió en una referencia obligada para un selecto grupo de artistas latinoamericanos que experimentaron con el arte conceptual. Sin embargo, las características específicas de su recepción en la región requieren de un estudio más profundo. El panel pretendió explorar las diversas formas en que los artistas de América Latina conocieron y reaccionaron a la obra y a las ideas de Duchamp, centrándose en artistas y objetos individuales. En el proceso, también buscó poner en duda la legitimidad de su legado en la región.
Diseñado por Harper Montgomery y con la participación de Kaira M. Cabañas como moderadora, el panel abordó las siguientes preguntas: ¿Cómo podemos rastrear la naturaleza de los encuentros de los artistas latinoamericanos con Duchamp? Más allá del contacto directo con las obras de arte, ¿cómo considerar, además, el papel que pueden haber desempeñado los rumores, las reproducciones en la prensa especializada, la difusión a través de la obra de otros artistas y demás canales? ¿Cómo fueron las reacciones de los artistas a Duchamp y de qué forma esas reacciones continuaron, reorientaron o rechazaron sus propuestas? Considerando el papel que ejerció Duchamp en el registro de historias de vanguardias: ¿De qué forma las respuestas y reconfiguraciones de los artistas latinoamericanos a Duchamp modifican el papel que su obra ha desempeñado en la historia del arte? ¿De qué forma nuestra propia interpretación del arte conceptual se ha modificado por la forma en que los artistas latinoamericanos han usado a Duchamp? Y, por último, ¿se debería eliminar completamente a Duchamp del archivo histórico?
Participantes
Andrea Giunta es escritora y curadora, investigadora principal del CONICET (Argentina) y profesora de la Universidad de Buenos Aires. Fue cofundadora y directora de CLAVIS, Centro de Estudios Visuales Latinoamericanos de la Universidad de Texas, donde fue titular de la Cátedra de Historia y Crítica del Arte Latinoamericano. Es autora de varios libros sobre arte latinoamericano, entre los que se encuentran: Avant-garde, Internationalism and Politics. Argentine Art in the Sixties (2007); The Political Body. Stories on Art, Feminism, and Emancipation in Latin America (que saldrá publicado próximamente en 2023); Rethinking Everything (2021); Contra el canon. Arte contemporáneo en un mundo sin centro (2020); y Feminismo y arte latinoamericano. Historias de artistas que emanciparon el cuerpo (2018). Fue curadora de la Retrospectiva de León Ferrari (Buenos Aires, CCR, 2004; Pinacoteca de São Paulo, 2006); curadora de Verboamérica (Museo de Arte Latinoamericano [MALBA], Buenos Aires, 2016) y de Radical Women. Latin American Art, 1960–1985 (Hammer Museum, LA; Brooklyn Museum, NY; Pinacoteca de São Paulo, 2017–18). En 2020 fue curadora jefe de la Bienal 12 Mercosul, Femenino(s). Visualidades, Actions, Affects (Porto Alegre, Brasil).
Sérgio B. Martins es profesor de historia del arte en la PUC-Rio y, entre 2020 y 2022, fue becario CAPES/Humboldt en la Freie Universität Berlin. Es autor de Constructing an Avant-Garde: Art in Brazil, 1949-1979 (2013) y de una gran cantidad de ensayos publicados en catálogos de exposiciones como Hélio Oiticica: to Organize Delirium (2017), Cildo Meireles (2013) y Lygia Pape: a Multitude of Forms (2017). Ha publicado artículos en revistas como October, ARTMargins, ARS, MODOS, Novos Estudos, Artforum y Third Text. En la actualidad, se encuentra trabajando en el proyecto de un libro sobre la carrera transnacional del artista brasileño Antonio Dias después de haberse trasladado primero a París y luego a Milán, a finales de los años sesenta.
Sean Nesselrode Moncada es profesor adjunto del Departamento de Teoría e Historia del Arte y Diseño en la Escuela de Diseño de Rhode Island. Su investigación gira en torno a los modernismos tanto visuales como materiales en el continente americano y sus controvertidas dimensiones socioecológicas. Su próximo libro, Refined Material: Petroculture and Modernity in Venezuela (2023) estudia el desarrollo de los modernismos en Venezuela desde la perspectiva de la extracción y el refinamiento del petróleo.
Moderadora y comentarios críticos
Kaira M. Cabañas es profesora de Historia del Arte y colaboradora del cuerpo docente del Centro de Estudios Latinoamericanos de la Universidad de Florida, Gainesville. Es autora de varios libros, entre los que se incluyen Immanent Vitalities: Meaning and Materiality in Modern and Contemporary Art (2021), que recibió el premio Frank Jewett Mather de la College Art Association; y de Learning from Madness: Brazilian Modernism and Global Contemporary Art (2018). Actualmente se encuentra trabajando en un libro titulado Deviant Art Histories: From Radical Psychiatry to Cultural Citizenship.
Este programa fue diseñado por Harper Montgomery, quien actualmente forma parte del Consejo Asesor del Instituto Cisneros. Es profesora del Departamento de Arte e Historia del Hunter College en Nueva York. Ha escrito artículos para Art Bulletin, Art Journal y Brooklyn Rail, y ha dirigido exposiciones sobre arte del siglo XIX, del siglo XX y contemporáneo en las galerías del Hunter College. Su libro The Mobility of Modernism: Art and Criticism in 1920s Latin America fue publicado en 2017 por la University of Texas Press y ganó el Arvey Foundation Book Award por su brillante estudio del arte latinoamericano. Su proyecto de investigación actual, por el que ha recibido una beca senior de la Fundación Dedalus, se ocupa del ascenso de las artesanías dentro de los espacios de arte contemporáneo en América Latina entre los años setenta y finales de los ochenta.
21 de septiembre de 2021
Con el fin de promover un estudio detallado del acervo de arte latinoamericano del MoMA, el Instituto Cisneros pone en marcha una serie de seminarios anuales con la intención de que cada edición aborde la colección desde un aspecto crítico específico y distinto.
El seminario de 2021, Matters of Fact, analizó las relaciones entre el arte concreto y el arte conceptual en América Latina mediante el estudio en profundidad de tres obras producidas en la década de 1970: Citrus 6906 (1973/2014) de Héctor Fuenmayor, la serie Carimbos (1978) de Carmela Gross y Time (1970) de David Lamelas.
El panel reunió a los prestigiosos académicos y curadores Félix Suazo, Beverly Adams y María José Herrera con el fin de examinar estas obras emblemáticas de la colección del MoMA, indagando en los complejos interrogantes que plantean la abstracción, la serialización, la crítica institucional y la temporalidad que redefinieron y ampliaron las prácticas artísticas en la década de 1970. Si bien no es la primera vez que académicos y curadores debaten sobre los posibles vínculos entre estos momentos clave de la historia del arte latinoamericano, sigue siendo un tema poco estudiado capaz de proporcionar aspectos decisivos para comprender la producción artística en la región.
Moderado por Gabriel Pérez Barreiro, el panel abordó los siguientes interrogantes: ¿Cómo interpretar la relación entre el arte concreto y el arte conceptual en América Latina? ¿Se trata de un vínculo de antagonismo, una reinvención y/o una continuidad? ¿Cómo han pensado los artistas en, entre y más allá de estos movimientos definidos históricamente? ¿Contiene el arte concreto el germen de las prácticas conceptuales, o el paso de un contexto desarrollista de posguerra a la caída de la democracia en la década de 1970 estableció un nuevo escenario en el que se resignificaron por completo tanto el arte como la política?
Participantes
Beverly Adams es la Curadora Estrellita Brodsky de Arte Latinoamericano del Museo de Arte Moderno de Nueva York. Antes de unirse al MoMA, fue Curadora de Arte Latinoamericano en el Museo Blanton de la Universidad de Texas, Austin. Durante su etapa en Blanton, Adams dirigió la reinstalación de las galerías de arte latinoamericano de la colección permanente en 2017 y desempeñó un papel fundamental en la adquisición de la colección de arte latinoamericano de la doctora Jacqueline Barnitz. Entre 2001 y 2013, fue Curadora de la Colección Diane y Bruce Halle, ocasión en la que ayudó a consolidar una de las colecciones privadas de arte latinoamericano moderno y contemporáneo más importantes de Estados Unidos. En colaboración con Natalia Majluf, ha organizado recientemente la exposición Redes de vanguardia - Amauta y América Latina, 1926–1930 (2019). El catálogo de esta exposición fue galardonado con el premio Association for Latin American Art Arvey Foundation Exhibition Catalogue Award.
Entre 1987 y 2012, María José Herrera desempeñó distintos puestos en el Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA) de Argentina: de 2000 a 2012, fue Jefa del Departamento de Investigación y en 2008, fue designada Directora Artística interina por un año. Además, entre 2014 y 2018 se desempeñó como Directora General del Museo de Arte Tigre, en la provincia de Buenos Aires. Sus líneas de investigación giran en torno al arte contemporáneo, al arte argentino y a los estudios museísticos. En 2012 fundó el Grupo de Estudios sobre Museos y Exposiciones (GEME), dedicado a analizar el papel que desempeñan las exposiciones en la escritura de la historia del arte. Como curadora, ha dirigido varias exposiciones nacionales e internacionales vinculadas a la abstracción, al arte conceptual y al arte pop argentino. En 2014, publicó Cien años de Arte argentino. Entre 2007 y 2016 fue presidenta de la Asociación Argentina de Críticos de Arte (AACA-AICA). En la actualidad, es investigadora del Centro Materia, Cultura y Arte, y profesora de la Universidad Nacional Tres de Febrero (UNTREF).
Félix Suazo es profesor, investigador y comisario. En 1990 se graduó en el Instituto Superior de Arte de La Habana. Entre 2002 y 2003 realizó el Máster de Museología de la Universidad de Valladolid (España). Ha desarrollado tareas de investigación para la Galería de Arte Nacional (1997–2003) y el Museo de Arte Contemporáneo (2004–08) de Caracas. Desde 2007, forma parte del equipo curatorial de El Anexo/Arte Contemporáneo. Entre 2008 y 2013, fue coordinador de exposiciones y comisario en Periférico Caracas/Arte Contemporáneo. Entre 2015 y 2018 fue gerente de la Sala TAC. En 2018 fue nombrado comisario pedagógico de la 14ª Bienal de Cuenca en Ecuador.
Moderador
Gabriel Pérez-Barreiro es asesor senior de la Colección Patricia Phelps de Cisneros en Nueva York y Caracas, tras haber sido su Director y Curador Jefe entre 2008 y 2018. Fue Curador Jefe de la 33ª Bienal de San Pablo, Brasil (2018) y curador del pabellón brasileño en la 58ª Bienal de Venecia (2019). Entre 2002 y 2008 fue Curador de Arte Latinoamericano en el Museo Blanton de la Universidad de Texas, Austin, y Director de Artes Visuales de The Americas Society en Nueva York. En 2007 fue Comisario General de la 6ª Bienal del Mercosur en Porto Alegre, Brasil. Es doctor en Historia y Teoría del Arte por la Universidad de Essex (Reino Unido), y ha publicado y dado numerosas conferencias sobre arte latinoamericano moderno y contemporáneo. Es además miembro de la Esthetical Society for Transcendental and Applied Realization.
Matters of Fact ha sido organizado con la colaboración de Harper Montgomery y Gabriel Pérez-Barreiro, ambos miembros del Consejo Asesor del Instituto Cisneros. Agradecimientos especiales a Daniel R. Quiles.
El programa se llevó a cabo en inglés y en español, con traducción simultánea.